Utilizamos nuevamente esta mítica serie de dibujos animados, Érase una vez el Hombre, para conocer algo más de la Ilustración y el Despotismo Ilustrado.
CURIOSIDADES BARROCAS
¿QUÉ OS PARECE?
Valdés Leal. In ictu oculi
Ribera. Mujer Barbuda
Cartel para la exposición El joven Murillo
Bilbao, oct. 2009-ene. 2010
En Sevilla se celebrará proximamente la misma exposición, pero el cartel no será el mismo, los puristas del arte en la capital hispalense han decidido obviar en este cartel, donde aparece Murillo autoretratado, el piercing que se le ha añadido en la ceja
Bilbao, oct. 2009-ene. 2010
En Sevilla se celebrará proximamente la misma exposición, pero el cartel no será el mismo, los puristas del arte en la capital hispalense han decidido obviar en este cartel, donde aparece Murillo autoretratado, el piercing que se le ha añadido en la ceja
OBRAS A COMENTAR
ARQUITECTURA
Bramante. Templete de San Pietro in Montorio
ESCULTURA
a) Escuela Andaluza
Alonso Cano. Inmaculada del facistol de la Catedral de Granada
Martínez Montañés. Cristo de la Clemencia. Catedral de Sevilla
b) Escuela castellana
Gregorio Fernández. Cristo Yacente
PINTURA
a) Italia. El tenebrismo caravaggiesco
Michelangelo Merissi, Il Caravaggio. Joven Baco
Il Caravaggio. La vocación de San Mateo
b) Flandes y la pintura cortesana. RUBENS
Pedro Pablo Rubens. Las tres Gracias
c) Holanda y el género del retrato corporativista. REMBRANDT
Rembrandt Van Rijn. La ronda de noche
Rembrandt Van Rijn. Lección de anatomía de profesor Tulp
d) Pintura del Barroco Hispano.
Los maestros universales del Siglo de Oro
- Diego de Velázquez y Silva
Velázquez. El aguador de Sevilla.
Velázquez. La Fragua de Vulcano
Velázquez. Las Meninas o La Familia de Felipe IV
Velázquez. Don Sebastian de Mora
- Bartolomé Esteban Murillo
Murillo. Inmaculada Concepción de María
Murillo. Niños jugando a los dados
Murillo. Gallegas en la ventana
- Francisco Ribera. El Spagnoletto
Ribera. El Patizambo
LA ESCULTURA DEL BARROCO en ITALIA. GIAN LORENZO BERNINI
GIAN LORENZO BERNINI
Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Cupido en el arte de lanzar flechas. Cupido, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él. Para ello lanzó al hermoso dios una flecha de oro, que causa un amor inmediato a quien hiere; por el contrario, hirió a la ninfa Dafne con una flecha de oro, que causa el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su madre, la cual determino convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: "Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria"
EL BALDAQUINO Y LA CÁTEDRA DE SAN PEDRO
Sobre el altar mayor de la basílica, bajo el cual estaba el sepulcro de San Pedro, Bernini levantó una gigantesca estructura de bronce oscuro y dorado, en forma de dosel o palio, sobre cuatro enormes columnas salomónicas, adornadas con hojas de vid (símbolo de la Eucaristía) y abejas (de la familia Barberini), que reproducían las del Templo del rey Salomón en Jerusalén. El Baldaquino tiene 29 metros de altura. Lo realiza con una doble finalidad: por un lado que el altar no pierda su importancia en las dimensiones colosales de la iglesia; y por otro lado para llamar la atención sobre el elemento arquitectónico fundamental (la cúpula). Cuatro ángeles adultos sostienen guirnaldas triunfales en las esquinas y desde ellos brotan cuatro aletones recurvados en forma de volutas que soportan el remate simbólico de la divinidad.
Sobre el altar mayor de la basílica, bajo el cual estaba el sepulcro de San Pedro, Bernini levantó una gigantesca estructura de bronce oscuro y dorado, en forma de dosel o palio, sobre cuatro enormes columnas salomónicas, adornadas con hojas de vid (símbolo de la Eucaristía) y abejas (de la familia Barberini), que reproducían las del Templo del rey Salomón en Jerusalén. El Baldaquino tiene 29 metros de altura. Lo realiza con una doble finalidad: por un lado que el altar no pierda su importancia en las dimensiones colosales de la iglesia; y por otro lado para llamar la atención sobre el elemento arquitectónico fundamental (la cúpula). Cuatro ángeles adultos sostienen guirnaldas triunfales en las esquinas y desde ellos brotan cuatro aletones recurvados en forma de volutas que soportan el remate simbólico de la divinidad.
Bernini realiza entre 1651 y 1666 un altar donde se encuentra la Cátedra de San Pedro.
Este se encuentra situado en el ábside principal del Vaticano. Se trata de un altar transparente en el que la luz es utilizada como un elemento de la composición. La luz pasa a través de una vidriera donde es transformada por el color del vidrio de la ventana, imitando la luz de la Gloria. En el medio de esta se encuentra una paloma, simbolizando el Espíritu Santo.
Bajo el Espíritu Santo se sitúa la supuesta silla o cátedra de San Pedro, recubierta de bronce. Esta se encuentra ingrávidamente sostenida y custodiada por cuatro figuras colosales de seis metros que representan los Santos Padres de la Iglesia, dos de la iglesia occidental y dos de la oriental.
EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA
Esta obra fue encargada por la familia Cornaro para la capilla familiar en la iglesia de Santa Maria della Vittoria.
Santa Teresa fue canonizada por Paulo V en 1614, mismo año en el que fueron canonizados San Ignacio de Loyola y San Francisco de Borja, constituyendo así una propaganda a través de las artes de los santos de la Contrarreforma.
La iconografía de Santa Teresa es de origen español, apareciendo representada aquí en el momento en que se siente atravesada por el dardo del amor divino, que porta un joven ángel. El ángel de formas clásicas intenta clavar el dardo de oro en la santa completamente arrobada de éxtasis, manifestando aquí Bernini un gran conocimiento de los afecti, al mostrarnos la expresión entre el dolor y el placer de esta.
Las diferentes texturas son muy variadas: las formas angulosas de los ropajes, la esponjosa de las nubes..., buscando así recrear sensaciones pictóricas. El gesto del ángel se nos muestra como una pervivencia de las formas clásicas en la obra de Bernini.
Toda la escena se desarrolla en el interior de un retablo transparente, llamado así porque dirige la luz hacia su interior, dentro del cual se filtra la luz de origen invisible que baña al grupo, siendo es utilizada aquí al modo de un escenario teatral.
En los relieves de los laterales se hallan representados unos palcos a los cuales se asoman los miembros de la familia Cornaro que asisten al milagro que se desarrolla en el altar, reafirmando así la concepción teatral de esta obra.
APOLO Y DAFNE
Bajo el Espíritu Santo se sitúa la supuesta silla o cátedra de San Pedro, recubierta de bronce. Esta se encuentra ingrávidamente sostenida y custodiada por cuatro figuras colosales de seis metros que representan los Santos Padres de la Iglesia, dos de la iglesia occidental y dos de la oriental.
EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA
Esta obra fue encargada por la familia Cornaro para la capilla familiar en la iglesia de Santa Maria della Vittoria.
Santa Teresa fue canonizada por Paulo V en 1614, mismo año en el que fueron canonizados San Ignacio de Loyola y San Francisco de Borja, constituyendo así una propaganda a través de las artes de los santos de la Contrarreforma.
La iconografía de Santa Teresa es de origen español, apareciendo representada aquí en el momento en que se siente atravesada por el dardo del amor divino, que porta un joven ángel. El ángel de formas clásicas intenta clavar el dardo de oro en la santa completamente arrobada de éxtasis, manifestando aquí Bernini un gran conocimiento de los afecti, al mostrarnos la expresión entre el dolor y el placer de esta.Las diferentes texturas son muy variadas: las formas angulosas de los ropajes, la esponjosa de las nubes..., buscando así recrear sensaciones pictóricas. El gesto del ángel se nos muestra como una pervivencia de las formas clásicas en la obra de Bernini.
Toda la escena se desarrolla en el interior de un retablo transparente, llamado así porque dirige la luz hacia su interior, dentro del cual se filtra la luz de origen invisible que baña al grupo, siendo es utilizada aquí al modo de un escenario teatral.
En los relieves de los laterales se hallan representados unos palcos a los cuales se asoman los miembros de la familia Cornaro que asisten al milagro que se desarrolla en el altar, reafirmando así la concepción teatral de esta obra.
APOLO Y DAFNE
Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Cupido en el arte de lanzar flechas. Cupido, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él. Para ello lanzó al hermoso dios una flecha de oro, que causa un amor inmediato a quien hiere; por el contrario, hirió a la ninfa Dafne con una flecha de oro, que causa el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su madre, la cual determino convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: "Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria" EL RAPTO DE PROSERPINA
Deméter se llevo tal disgusto que empezó a descuidar la tierra y todas las plantas se secaron.
Zeus, el rey de los dioses y hermano de Deméter y Hades obligó a éste a que le devolviera a su hija, para que Deméter volviese a cuidar de la tierra.
Hades aceptó con la condición que Proserpina comiera un grano de granada, el alimento de los muertos. Eso haría que Proserpina se viese obligada a volver cada año.
Así llegaron las estaciones de año, cuando Proserpina regresaba al lado de su madre, la tierra florecía y se llenaba de vitalidad, es decir, llegaba la primavera. Pero cuando Proserpina Volvía al lado de Hades, la tierra se marchitaba de nuevo, sé moría la vegetación, llegaba el invierno.
Proserpina: Nombre Romano
Perséfone: Nombre Griego
Deméter, diosa de la agricultura y de la tierra, tenía una hija llamada Proserpina.
Un día en el que Proserpina se paseaba y recogía flores, su tío Hades la raptó y se la llevo al inframundo.Deméter se llevo tal disgusto que empezó a descuidar la tierra y todas las plantas se secaron.
Zeus, el rey de los dioses y hermano de Deméter y Hades obligó a éste a que le devolviera a su hija, para que Deméter volviese a cuidar de la tierra.
Hades aceptó con la condición que Proserpina comiera un grano de granada, el alimento de los muertos. Eso haría que Proserpina se viese obligada a volver cada año.
Así llegaron las estaciones de año, cuando Proserpina regresaba al lado de su madre, la tierra florecía y se llenaba de vitalidad, es decir, llegaba la primavera. Pero cuando Proserpina Volvía al lado de Hades, la tierra se marchitaba de nuevo, sé moría la vegetación, llegaba el invierno.Proserpina: Nombre Romano
Perséfone: Nombre Griego
TRABAJO ARTE DEL BARROCO
En clases pasadas hemos visto las características generales del arte Barroco, a continuación os ofrezco una serie de imágenes que debereis de apuntar, en cada una de ellas, las características del estilo que en ellas aparecen.
El barroco es un estilo artístico europeo desarrollado en el siglo XVII y en la primera mitad del siglo XVIII. El barroco nació en Italia y se extendió por toda Europa. Desde España y Portugal también se extendió a las colonias americanas.
Fue un estilo artístico bastante despreciado por los historiadores modernos por considerarse anticlásico. Sin embargo ha sido revalorizado a lo largo del siglo XX, por los artistas de vanguardia.
La palabra barroco quiere decir "irregular", conecta con lo "no armonioso".
El contexto histórico del barroco es el de una Europa dominada políticamente por las monarquías absolutistas, con una sociedad estamental e intervenida por el Estado. En el plano religioso es un arte muy apegado al catolicismo en una Europa dividida entre católicos y protestantes.
- La variedad de Escuelas BarrocasHay tres variantes barrocas:
Barroco católico
Muestra a través de sus obras el triunfo de la Iglesia Católica sirviéndose del lujo y la riqueza. Pretende demostrar que la Iglesia es la representante de la fe verdadera. Se da en Italia, España y en el sur de Alemania.
Muestra a través de sus obras el triunfo de la Iglesia Católica sirviéndose del lujo y la riqueza. Pretende demostrar que la Iglesia es la representante de la fe verdadera. Se da en Italia, España y en el sur de Alemania.
Barroco absolutista
Triunfa en Francia y se sirve de medios similares a los de la Iglesia para expresar el poder del Estado.
Triunfa en Francia y se sirve de medios similares a los de la Iglesia para expresar el poder del Estado.
Barroco burgués
Triunfa en los países protestantes (especialmente en Holanda). Destaca la pintura, de carácter intimista, con escenas de género y retratos que gustan a la clientela (burguesía).
Triunfa en los países protestantes (especialmente en Holanda). Destaca la pintura, de carácter intimista, con escenas de género y retratos que gustan a la clientela (burguesía).
- Características de la Arquitectura Barroca
Dinamismo
Existe una tendencia a dotar a los edificios de movimiento, empleando líneas curvas: alternancia de líneas cóncavas-convexas, que dan lugar a fachadas alabeadas. Es una arquitectura que gusta de los fuertes contrastes: recta-curva, claro-oscuro, cerca-lejos en las perspectivas, etc.
Empleo de formas clásicas transformadas
Se siguen utilizando muchos elementos clásicos, pero con un tratamiento diferente: frontones quebrados, entablamentos quebrados, columnas clásicas, pero no adosadas, con volumen pleno y columnas salomónicas (muy dinámica, con fuste retorcido que asciende en sentido helicoidal), se prefiere el óvalo al círculo...
Abovedamientos cupuliformes
Se emplean bóvedas y cúpulas como cubiertas, pero es frecuente que las cúpulas sean ovaladas.
Profusión de elementos decorativos
Se emplean mucho los relieves que refuerzan el contraste ya citado de claro-oscuros. Dentro de esta decoración en relieve destacan los elementos botánicos y las placas rectangulares.
- Tipos de edificios del barroco
- Religiosos: iglesias.
- Civiles: palacios, que se embellecen con jardines y fuentes.
Tanto en las iglesias como en los palacios, el muro no marca el límite, ya que por medio de espejos o pinturas en las bóvedas se pretende ampliar ilusoriamente el espacio.
Se concede gran importancia al urbanismo.
TRABAJO DE EVALUACIÓN
En esta Primera Evaluación vamos a realizar un trabajo de investigación, el tema a tratar será:
LAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS EN LA ANTIGÜEDAD Y EDAD MEDIA
El objetivo de vuestro trabajo será conocer, a grandes rasgos, las grandes obras levantadas por las grandes civilizaciones del mundo antiguo y el medievo. Con ello, pretendo que las conozcáis y que valoréis la importancia que tiene la conservación del patrimonio histórico.
Pautas para la elaboración del trabajo:
- Debera realizarse individualmente.
- Escrito con ordenador, el tamaño de la letra 11 e interlineado 1'5.
- Deberá llevar portada.
- Cada obra se realizará en una ficha individual.
- La fecha límite de entrega será el 13 de noviembre.
LAS OBRAS SELECCIONADAS SON LAS SIGUIENTES:
- El Zigurat de Ur.
- Pirámides de Gizeh.
- Templo de Abu Simbel.
- Acrópolis de Atenas.
- Coliseo de Roma.
- Itálica.
- Santa Sofia de Constantinopla.
- Mosaicos de San Vital de Rávena.
- Mezquita de Córdoba.
- La Alhambra de Granada.
- Catedral de Santiago de Compostela.
- Catedral de León.
- La Saint-Chapelle de Paris.
TODAS LAS FICHAS SEGUIRÁN UN MISMO MODELO DE COMPOSICIÓN, QUE SERÁ EL SIGUIENTE:
- Nombre de la obra
- Fotografía de la obra
- Cronologia
- Lugar
- Autoria
- Características generales de la obra
Pautas para la elaboración del trabajo:
- Debera realizarse individualmente.
- Escrito con ordenador, el tamaño de la letra 11 e interlineado 1'5.
- Deberá llevar portada.
- Cada obra se realizará en una ficha individual.
- La fecha límite de entrega será el 13 de noviembre.
LAS OBRAS SELECCIONADAS SON LAS SIGUIENTES:
- El Zigurat de Ur.
- Pirámides de Gizeh.
- Templo de Abu Simbel.
- Acrópolis de Atenas.
- Coliseo de Roma.
- Itálica.
- Santa Sofia de Constantinopla.
- Mosaicos de San Vital de Rávena.
- Mezquita de Córdoba.
- La Alhambra de Granada.
- Catedral de Santiago de Compostela.
- Catedral de León.
- La Saint-Chapelle de Paris.
TODAS LAS FICHAS SEGUIRÁN UN MISMO MODELO DE COMPOSICIÓN, QUE SERÁ EL SIGUIENTE:
- Nombre de la obra
- Fotografía de la obra
- Cronologia
- Lugar
- Autoria
- Características generales de la obra
EL ARTE DE LA PREHISTORIA
Tras realizar un breve recorrido por el complejo Proceso de Hominización, las sociedades de la Edad de Piedra y ver los rasgos de las sociedades del Metal, vamos a ver cuestiones relacionadas con los aspectos artísticos.
Desde el Paleolítico, el ser humano comienza a sentir interés por el "Arte", lo utilizará fundamentalmente como medio para la recreación, aunque existen numerosas teorías acerca de cual pudiese haber sido su finalidad, y las más aceptadas son aquellas que lo relacionan con las creencias y la religiosidad, sus creencias estaban basadas fundamentalmente en las fuerzas de la naturaleza y la reproducción, puesto que en un mundo todavía tan primitivo, la supervivencia de la especie y el ciclo reproductivo de la madre naturaleza, de animales y plantas, no significaba más que el sustento y el mantenimiento de las especies. Por ello, las primeras manifestaciones artísticas se relacionan con la necesidad de llevar a cabo la representación de elementos existentes en la naturaleza para proporcionar efectos secundarios benefactores, eran por tanto el medio para solicitar a los dioses que todo fuera bien. En el Paleolítico comenzaron a realizarse las primeras esculturas y pinturas, como ejemplo Las Venus Paleolíticas y las Pinturas Rupestres.
Las Venus del Paleolítico eran figurillas femeninas de pequeño tamaño, con las que se representarían a mujeres en estado de "buena esperanza", de ahí que sus órganos sexuales aparezcan tan abultados y sus formas anatómicas tan redondeadas, son figurillas que están relacionadas con ritos o ceremonias religiosas para favorecer la fecundidad.
La pintura rupestre del Paleolítico tuvo un desarrollo geográfico concreto, el área franco-cantábrica, pero no por ello dejamos de encontrar otros yacimientos repartidos en otras áreas geográficas, como en la Cueva de la Pileta, en Benaoján (Málaga), en la que aparecen pinturas de la misma datación y de temas similares. Pero uno de los mejores ejemplos de pinturas del Paleolítico Superior los encontramos en la Cueva de Altamira, en la localidad santanderina de Santillana del Mar. La conocida "Capilla Sixtina del Paleolítico" fue descubierta en 1789 por un amante de la Prehistoria, Marcelino Saénz de Santuola; un día mientras estaba acompañado por su hija María de tan sólo ocho años realizando una prospección en la cueva, ésta alarmada grito: "¡Mira, Papá! ¡Bueyes pintados!.
Antes de conocer cuáles eran las características generales de esta pinturas vamos a conocer su ubicación, fijaros en el lugar donde se encuentra Altamira y la cueva francesa de Lascaux, éstas poseen los mejores ejemplos de pinturas rupestres.
Las pinturas paleolíticas se localizaban en las salas más reconditas de las cavernas, ello ha sido fundamental para que no fuesen descubiertas con anterioridad, ya que en tiempos anteriores este hallazgo no hubiese sido valorado y su destrucción hubiese primado a su conservación.
Las pinturas rupestres como su nombre indica estaban realizadas sobre piedra, en el interior de las cuevas, su finalidad (aunque se desconoce ciertamente, debido a que aún no existían documentos escritos que nos la explicara), está relacionada con algún tipo de "magia simpática" o ceremonial para propiciar la caza de aquellas especies que aparecen representadas, no podemos olvidar que las sociedades del Paleolítico eran depredadoras y su sustento dependía de la caza y la recolección. Al fin y al cabo, fuera cuál fuese su finalidad, desde el punto de vista artístico son una gozada, puesto que conocemos, gracias a ellas, especies animales que vivieron en otras épocas en la Península Ibérica como los bisontes, hoy extinguidos. Y la perfección con la que los representan nos ayudan a conocerlos aún mejor, tanto a los animales como al talento pictórico que tuvieron nuestros antepasados. Rasgos generales de estas pinturas son:
- El naturalismo de las imágenes.
- El uso de diferentes policromías, fundamentalmente el ocre, el rojo y el carbón. Los pigmentos eran obtenidos de la naturaleza, carbón, rocas....que previamente los machacaban hasta convertirlos en polvo y luego los mezclaban con grasa animal, un aglutinante para conseguir que los colores se fijaran en la pared.
- Los animales aparecen representados individualmente, unos independientes de otros, sin recrear una escena.
- No aparece la figura humana.
Fijaos en este bisonte y descubrid el naturalismo de esta imagen: Actividad:
1. ¿En qué lo apreciamos?
DEJAD VUESTROS COMENTARIOS
La pintura evolucionó y cambió hacia el Mesolítico, fase intermedia entre el Paleolítico y el Neolítico, en la que tuvo lugar el comienzo de un importante cambio climático que transformó la vida de estas sociedades cazadoras-recolectoras. Los grupos humanos comenzaron a ubicar sus hábitats en los abrigos de las cuevas ante la subida de la temperatura global del planeta, y en el campo pictórico igualmente cambiaron algunos aspectos. Las pinturas se ubicaron en zonas más externas de las cuevas y el lenguaje expresivo cambió hacia un mayor esquematismo, ello significó que el naturalismo se transformaría en trazos simples de importante estilización y que llagarán a evolucionar hacia formas cada vez más abstractas. Rasgos generales de estas pinturas son los siguientes:
- Estilización y esquematismo de las formas, alejándose del naturalismo paleolítico.
- Uso de la monocromía.
- Se representan escenas de la vida cotidiana, la caza, la recolección, la guerra,........., en las que que el ser humano es protagonista de las mismas.
- Se utilizan signos y símbolos que aunque se ha intentado dar una explicación de los mismos, aún no se sabe cual sería su significado concreto.
Pero no sólo en el campo figurativo, el hombre de la Prehistoria nos dejó sus maestrías artísticas, y es que fue en el campo de la arquitectura donde demostró una hazaña que no nos dejará indiferentes:
LA ARQUITECTURA MEGALÍTICA. Aquí os proporciono un enlace para que la conozcais.
www.megalitismo.org
www.stonehenge.co.uk/
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